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Ingram Marshall, compositor minimalista de Mystical Sounds, muere a los 80 años

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Ingram Marshall, un compositor minimalista conocido por el misterio y la melancolía de sus obras, que presentaban sonidos tan dispares como las bocinas de niebla de San Francisco y las flautas de bambú balinesas, murió el 31 de mayo en New Haven, Connecticut. Tenía 80 años.

Su esposa, Veronica Tomasic, dijo que la causa fueron complicaciones de la enfermedad de Parkinson.

El Sr. Marshall fue una figura influyente en la música experimental estadounidense, parte de un grupo de compositores que, a partir de la década de 1960, redujo la música a elementos básicos de ritmo y tempo e incorporó sonidos digitales. Un “expresivista” que se describe a sí mismo, era conocido por obras místicas e inquietantes que fusionaban varias tradiciones, entre ellas el romanticismo europeo, el gamelan indonesio y la electrónica.

“Una experiencia musical debe ser envolvente”, dijo Marshall en una entrevista de 1996 para Historia oral de la música estadounidense de la Universidad de Yale. “Casi de una manera narcótica. No para estar desconectado o en trance exactamente, sino para estar realmente excitado. Si puedes hacer eso, creo que has hecho algo”.

Produjo una variada obra, que incluye piezas de cámara para conjuntos de renombre como el Kronos Quartet, sextetos de metales, obras corales y piezas para guitarra solista. Gran parte de su música combinaba instrumentos convencionales con sonidos pregrabados manipulados por computadora.

“Su música era muy emotiva, pero no de una manera empalagosa o neorromántica”, dijo en una entrevista el compositor John Adams, un viejo amigo. “Era su propio estilo único, muy sentimental, pero sentimental en el mejor sentido de la palabra”.

Admirador de compositores de la era romántica como Sibelius y Bruckner, el Sr. Marshall tenía un conocimiento profundo del canon clásico occidental que informaba su estilo, incluso cuando se desviaba en nuevas direcciones.

“No tenía miedo de ser muy directo y expresivo”, dijo Libby Van Cleve, oboísta que dirige el proyecto de historia oral de Yale y para quien Marshall escribió tres piezas. “Su mayor impacto fue simplemente tener el coraje de escribir música tan profundamente sincera y expresiva en el ámbito electrónico”.

Ingram Douglass Marshall nació el 10 de mayo de 1942 en Mount Vernon, Nueva York, en el condado de Westchester, hijo de Harry Reinhard Marshall Sr., banquero, y Bernice (Douglass) Marshall, pianista aficionada.

Animado por su madre, comenzó a cantar a una edad temprana y se unió al coro de una iglesia. Su interés por la música se profundizó y en 1964 se graduó con una licenciatura en música de Lake Forest College en Illinois. Más tarde asistió a la Universidad de Columbia y luego al Instituto de Artes de California, donde recibió una Maestría en Bellas Artes en 1971 e impartió clases de música electrónica.

Mientras estaba en el Instituto de California, conoció a varios artistas indonesios y quedó fascinado por su música. Con la intención de sumergirse en los sonidos de Indonesia, obtuvo una beca Fulbright y viajó al país durante cuatro meses en 1971.

La visita fue un punto de inflexión. Pronto comenzó a incorporar a su música elementos de la cultura indonesia, incluido el gambuh, una flauta tradicional balinesa. Adoptó un estilo más pausado, un desarrollo que atribuyó a su inmersión en la música de Indonesia.

“Me di cuenta de que el tipo de música electrónica formalmente organizada de ‘zip-and-zap, bleep-and-blap’ que había estado tratando de hacer simplemente no era mi estilo”, dijo Marshall en la entrevista de Yale, hablando de su experiencia en Indonesia. “Necesitaba encontrar una forma más lenta y profunda de acercarme a la música electrónica”.

En 1981, produjo uno de sus trabajos más conocidos, “Fog Tropes”, una meditación sombría que combinó grabaciones de campo de sirenas de niebla en el Área de la Bahía de San Francisco con instrumentos de metal.

“Muchas personas recuerdan a San Francisco cuando escuchan esta pieza, pero yo no”, dijo Marshall una vez. “Para mí, se trata solo de la niebla y de perderse en la niebla. Los trompetistas deben sonar como si estuvieran en una balsa flotando en medio de una bahía envuelta en niebla”.

Los admiradores del Sr. Marshall elogiaron la calidad espiritual de sus obras. Algunos hicieron comparaciones con los llamados minimalistas sagrados de Europa del Este, incluido el destacado compositor estonio Arvo Pärt.

“Es cierto que no escribe música explícitamente litúrgica, ni cultiva ningún aire sacerdotal”, escribió Adam Shatz en un artículo de 2001 sobre el Sr. Marshall en The New York Times. “Pero su música es parte del arte espiritual más conmovedor que se puede encontrar en Estados Unidos hoy en día”.

El compositor Steve Reich, otro amigo, dijo que el misterio en el trabajo del Sr. Marshall lo hizo distinto. Describió la música como una mezcla de espiritualidad estadounidense, “niebla y neblina del norte misteriosas e impenetrables” y gamelán.

“Ingram no puede ser identificado tan fácilmente”, dijo Reich en una entrevista. “No es solo minimalismo, o cualquier otro apodo que quieras ponerle, sino que es radiantemente inteligente y hermoso”.

Después de más de 15 años en California, el Sr. Marshall regresó a la Costa Este en 1990 y se instaló en Hamden, Conn., en las afueras de New Haven. Continuó componiendo y enseñando, y se desempeñó como profesor a tiempo parcial en la Escuela de Música de Yale de 2004 a 2014.

Junto con su esposa, al Sr. Marshall le sobrevive un hijo, Clement; una hija de una relación anterior, Juliet Simon; y cuatro nietos.

Si bien no era religioso, el Sr. Marshall a veces hablaba sobre el poder espiritual de la música. Dijo que esperaba que después de los desastres, los artistas pudieran ayudar a traer comprensión al mundo.

“Los compositores, poetas y artistas siempre se sienten inútiles después de una calamidad”, dijo a The Times en 2001. “No somos bomberos; no somos filántropos ni oradores inspiradores. Pero creo que es lo trágico y calamitoso de la vida a lo que tratamos de dar sentido, y esto es lo que importa en nuestras vidas como artistas”.

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